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Como se preparar para um desempenho de palco

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Seções: Music

Falar em público é um momento decisivo na vida criativa do artista, é o resultado do longo trabalho do músico (maduro e iniciante) no trabalho. E, claro, esta é uma etapa necessária no sistema de formação e formação de um músico, onde tudo está interligado: a educação do pensamento musical, imaginação criativa, audição, habilidades técnicas, memória, concentração no modo de trabalho em uma cultura geral.

Já durante o período de estudo na escola de música infantil, o aluno deve se acostumar com o fato de que a performance é um assunto sério pelo qual ele é responsável pelo ouvinte, pelo autor do trabalho, por si mesmo e por seu professor, que também é feriado. os melhores momentos de sua vida, quando ele pode obter uma enorme satisfação artística.

Apesar de todo o processo de educação, que ocorre sob a mais forte supervisão do professor, o desempenho do concerto é mais dependente das habilidades individuais do músico. O comportamento no palco, o bem-estar durante o jogo, a reação à atitude do público - tudo isso é revelado em cada artista à sua maneira.

Freqüentemente, nesta fase, ocorrem colapsos, causando graves traumas mentais até para artistas muito talentosos, o que às vezes serve como motivo para sua recusa em se apresentar no palco.

Considerando as razões para os colapsos que ocorrem com o artista no palco, eu quero me alongar mais detalhadamente sobre o problema da excitação pop - o problema da emancipação interna "nas pessoas", a capacidade de libertar-se das cadeias de tensão nervosa. K. Stanislavsky, com uma bela observação psicológica, descreve o estado doloroso e antinatural experimentado pelo ator no palco: “Quando um artista homem sobe ao palco na frente de uma milésima multidão, ele perde a paciência por medo, timidez, responsabilidade, dificuldades. Nestes minutos ele não pode falar humanamente, assistir, ouvir, pensar, querer, sentir ”.

A emoção do músico - intérprete não é diferente do bem-estar descrito do ator, um senso de responsabilidade, um ambiente incomum, medo do fracasso - tudo isso desorganiza as habilidades criativas.

Para muitos pianistas e (especialmente) estudantes, o desempenho dos shows está longe de ser uma tarefa fácil. Sabe-se que havia excelentes virtuosos que tinham medo da música pop e geralmente tocavam na frente do público muito abaixo do nível atual.

G. Neigauz em seu livro “Sobre a arte de tocar piano” lembra como artistas famosos como A. Rubinstein, L. Godowsky e outros se preocuparam antes dos shows. A. Goldenweiser escreve que a emoção antes da performance era característica da maioria dos grandes artistas. Como uma rara exceção a essa regra, ele fala de I. Hoffmann, que não estava preocupado com o concerto.

O problema da excitação do concerto não é evitado por mais de um pesquisador no campo da pedagogia musical e psicologia e métodos privados de ensino de instrumentos. de fato, esse problema, o problema da variedade de excitação, e questões como se livrar da excitação excessiva durante uma apresentação em concertos, como trabalhar na excitação da variedade em preparação para uma performance, são fundamentais na pedagogia e psicologia musical. Desde a criação de habilidades artísticas, e em particular a capacidade de se controlar no momento da performance, é uma das tarefas do professor na formação de um músico-intérprete.

A excitação do concerto deve ser considerada como uma variedade de estados emocionais que dependem das características de personalidade do indivíduo. Existem duas variedades de excitação pop: “excitação - subida” e “excitação - pânico”. Devido às características individuais da organização mental de cada artista, o estado de excitação afeta a qualidade dos trabalhos realizados de diferentes maneiras.

Uma emoção ajuda a lidar brilhantemente com sua tarefa criativa, contribui para maior brilho de desempenho, melhor contato entre o performer eo ouvinte, então o outro tem que gastar muita energia extra para superar a excitação e ao mesmo tempo o artista nem sempre consegue o resultado desejado, para muitos a excitação atinge um estado doloroso. Na maioria das vezes, isso se manifesta em uma violação do controle de velocidade, a sensação de ritmo é perdida, muitas vezes parece ao artista que ele toca muito baixinho, que ele não é ouvido, e ele começa a jogar uma nuance maior. O oposto acontece: temperamento sai, o jogo fica sem cor, sem som. O pior é se a memória falhar de repente. Às vezes isso afeta não apenas a memória motora, mas também a memória musical. No primeiro caso, o musical pode ajudar, e no segundo - o motor. Se isso não acontecer, uma parada é inevitável. Muitas vezes, o pânico de excitação leva a perturbações, o que leva ao desempenho de trauma mental. Esta condição é chamada de "doença do pop". Execução mal sucedida dá origem à insegurança, em seus pontos fortes e capacidades,

Como se preparar para um desempenho de palco

Não só a dança em si, mas qualquer aparência no palco requer uma certa quantidade de organização.
Tendo em conta os seguintes pontos abaixo, é claro, você pode se preparar melhor para entrar no palco.

Em primeiro lugar
É muito importante saber em que conexão eu vou realizar, ou seja, é um festival de dança, um grande encontro de diferentes dançarinos no mesmo palco, um feriado de uma instituição de ensino, uma competição, feriados religiosos etc. Isso ajuda a determinar tópico para o qual você pode escolher a coreografia apropriada.
Também lhe dará uma ideia da natureza do público.

O público
O tipo de público já está definido.
Esse passo é importante porque ajuda o dançarino a decidir se adere a uma performance clássica, como padams ou varnam, ou se passa para um conceito semi-clássico ou folclórico.
Imagine a situação de estudantes universitários que de repente testemunharam a Varna de 45 minutos.
Para tal ocasião, Allarippu seria perfeito!
Mesmo que o dançarino possa ser magnífico no palco, mas os rasikas e o público não sejam capazes de apreciar seu trabalho, a impressão do desempenho será incompleta.
Portanto, o dançarino deve entender as necessidades do público e agir de acordo.

Seleção de músicas
Uma boa música cria um enorme impacto na audiência.
A escolha da música depende das circunstâncias e do público.
Por exemplo, para os festivais de faculdades e escolas, é melhor escolher uma música com um som popular mais leve, de modo que até mesmo os não especialistas possam percebê-la com amor.
No caso da competição, você deve escolher uma coreografia com base nos resultados de cada rodada, isso o ajudará a fazer a escolha certa.
Se você vai se apresentar nas regiões, escolha uma música com um som folclórico.
A música deve fornecer a oportunidade demonstrar tanto Abhinaya eNritta
A música não deve ser muito longa - mais de 15 minutos ou muito curta - menos de 5 minutos.
Para se apresentar na frente de um público ocidental, você pode organizar músicas populares no ocidente: jazz, salsa, step ou hip-hop.
Não faça misturas de estilos diferentes.

Coreografia
Coreografia em forma visual fornece música ou música. Habilmente misturar os gestos e movimentos certos com a música é o principal trabalho do coreógrafo. Ele deve entender o significado da música e entendertalams ou ritmos. Quando o significado é entendido, torna-se fácil encontrar sua expressão. A consciência do Talams facilita a passagem de um passo para o outro. Assim, uma boa coreografia ajuda a dançarina a deslizar suavemente pela música.
É muito importante para o coreógrafo alcançar a excelência dançarinos. Não use passos diferentes, novos ou complexos, se você não puder incluí-los no fluxo suave da dança. Isso só irá reduzir a confiança do dançarino.

Prática
Apenas praticar faz um artista perfeito.
Quanto mais você pratica, mais você merece confiança.
Houve um momento em que esqueci tudo durante a minha segunda apresentação. Mas se eu praticasse mais, poderia continuar a performance sem confusão.
A prática ajuda a construir resistência.
Ele lhe dará a oportunidade de dominar um ótimo desempenho sem esgotar seus recursos.
Aprenda emocionalmente expressividade durante a dança.
Até mesmo uma dança técnica pode ser executada com sutis Abhinayas. Analise sua expressividade, dançando na frente de um espelho, isso ajuda.
Sincronização no grupo, a dança é alcançada apenas com a prática.
O desempenho do grupo não é um projeto de um dançarino.
Trata-se de unir os esforços do grupo, coordenação e compreensão mútua entre os bailarinos.
Tudo deve acontecer a tempo, no momento certo.
Às vezes, dançarinos, músicas e fantasias - tudo era lindo, mas a má sincronização destrói todo o charme.
Saroj Khan, um coreógrafo de Bollywood muito inteligente, diz: "Ele pratica como novato e atua como um especialista".
A prática deve ser sincera, sem qualquer compromisso ou autoconfiança.
Dançando dedique seu desempenho a poderes superiores para obter o fluxo da quantidade de energia e graça que você precisa.

Terno
O traje adiciona magia ao desempenho e ao dançarino pessoalmente.
A escolha certa de tecido, cor, maquiagem, jóias, acessórios são decisões importantes.
Para ser eficaz, use sempre correspondência adequada cores brilhantes.
Eu prefiro combinações como amarelo com Borgonha, creme com diferentes tons de verde, vermelho ou preto. Evito cores como apenas preto, marrom, dourado, a menos que a natureza da dança o exija.
Maquiagem é outro fator que ajuda expressões faciais alcançar o público.
A maquiagem deve ser forte o suficiente para que uma pessoa na última fila de um enorme salão possa ver expressões faciais.
Lave seu cabelo e seque-o. O cabelo oleoso afeta a qualidade do penteado.
Sempre vá para uma performance em trajes autênticos um sari de nove filas para lavani ou um traje de palco cheio de Bharatanatyam.
Trabalho criativo com um processo para revelar um tópico específico, também funciona bem.
Um fato perfeitamente adaptado irá projectar claramente todos os movimentos do corpo.
Troque o traje, se necessário. Um bom dançarino de terno ruim não será admirado.
Use acessórios mínimos.
Não coloque muitas jóias e tranças extras que serão onerosas para a dança.
Use com cuidado alfinetes Para prender o traje, eles podem abrir e danificá-lo durante a dança.
Eu aconselho meus alunos a usar meias pretas para andar de bicicleta sob saias, vestidos e até mesmo sob trajes Bharatanatyam.
É sempre aconselhável passar por um ensaio em traje completo antes da apresentação final.

Precauções de segurança
Se você vai dançar na trilha sonora, certifique-se de ter duas copias músicas (1 para o seu ensaio e 2 para o show final).
Se a música selecionada na fita for a segunda ou mais recente, coloque a fita no início de sua música para evitar confusão de última hora.
Etiquete o cassete no lado desejado e escreva o número da música na parte superior para ficar pronto se o técnico precisar de alguma explicação.
Se você tiver essa oportunidade, suba ao palco muito antes de sair para ver se a cena é sólida e suave, caso contrário, você terá que ser cuidadoso e vigilante.
Prepare-se (traje e maquiagem completa) meia hora antes do show.
Então, afaste-se e tente relaxe-se.
Você pode fazer 5 minutos de exercícios respiratórios com os olhos fechados. Tente não se distrair com a bagunça atrás das cortinas. Não se preocupe em assistir a performances nos bastidores antes de terminar a sua.
Isso é o que eu pratico para me manter calmo e decidido.

Desempenho final
Faça namaskar antes de começar.
Você pode até subir ao palco com o Namaskar se não tiver feito nos bastidores. Peça uma bênção para todos que o ajudaram em seu trabalho.
Se você tem medo do palco, não olhe para o público.
Apenas se concentre na dança.
Olhe para as suas mãos enquanto fala.
Esqueça-se no palco.
Concentração de consciência em si mesmo reduz a atenção.
Não importa se o seu gunguru caiu do seu pé ou o brinco foi solto, ou que a trança falsa se soltou.
Apenas mantenha a dança em um nível alto - como Aquele em que eu acredito.

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